Crítica | O Caso dos Estrangeiros

O Caso dos Estrangeiros chega aos cinemas em 26 de fevereiro de 2026 trazendo um drama intenso e bastante atual, que coloca o espectador diante da dura realidade enfrentada por refugiados sírios. Longe de romantizar a situação, o filme aposta em uma narrativa humana para mostrar pessoas comuns tentando apenas sobreviver e encontrar um lugar seguro para viver.

A história começa com uma médica que é forçada a fugir de Aleppo ao lado da filha pequena, mas rapidamente amplia seu foco ao apresentar outros personagens cujas vidas acabam se cruzando: um contrabandista tentando salvar o próprio filho, um soldado em conflito com suas escolhas, uma poetisa procurando um novo lar e um capitão da guarda costeira grega dividido entre seguir ordens ou agir com compaixão. Todos caminham para o mesmo ponto, em uma noite decisiva no Mediterrâneo.

Um dos grandes acertos do filme está na forma como a história é contada. A narrativa é dividida em capítulos que funcionam como peças de um quebra-cabeça, revelando aos poucos como cada personagem se conecta. Esse formato mantém o interesse e ajuda a construir o impacto do final, deixando claro que, apesar das histórias diferentes, todas aquelas famílias compartilham o mesmo objetivo: fugir dos conflitos e conquistar o direito a uma vida normal.

O longa também funciona como uma crítica relevante ao atual cenário político internacional, especialmente às discussões sobre imigração e o tratamento dado a estrangeiros. Em vez de discursos diretos, o filme mostra o peso dessas decisões através das experiências dos personagens, evidenciando o terror de viver em uma região em guerra e o desespero de quem precisa abandonar tudo para sobreviver.

Tecnicamente, o filme é sólido. A fotografia chama atenção ao mostrar um lado da Síria pouco explorado no cinema, indo além das imagens comuns de destruição e reforçando que ali existiam vidas, rotinas e histórias antes do conflito. A trilha sonora acompanha bem o tom da narrativa, reforçando a tristeza constante que permeia toda a experiência.

Por outro lado, o ritmo mais lento, o idioma estrangeiro e o elenco pouco conhecido do público brasileiro podem criar uma barreira inicial para parte da audiência. Não é um filme fácil nem leve, pelo contrário, é uma experiência pesada do começo ao fim, e isso pode afastar quem busca algo mais dinâmico.

Ainda assim, O Caso dos Estrangeiros é um bom filme, importante por retratar de forma direta e sem filtros a realidade de imigrantes que não buscam aventura ou heroísmo, apenas uma chance de viver em paz. Um drama triste, mas necessário.

Crítica | O Frio Da Morte

O frio da morte é um suspense que encontra sua força na combinação entre paisagem inóspita, violência e a presença impactante de Emma Thompson em um papel bem inesperado. Ambientado no coração gelado de Minnesota, o filme dirigido por Brian Kirk parte de uma premissa simples e quase clássica: “uma viúva viaja até um lago remoto para espalhar as cinzas do marido e acaba se envolvendo em uma trama de sequestro e muita brutalidade”. O que poderia soar como mais um thriller de sobrevivência ganha densidade graças ao carisma da protagonista e à maneira como o roteiro transforma sua experiência de vida em arma.

Thompson interpreta Barb, uma mulher na casa dos sessenta anos que administrava com o marido uma loja de artigos de pesca e que domina como poucos a arte da pesca no gelo. Logo nas primeiras sequências, o filme estabelece sua competência prática e sua intimidade com o ambiente hostil. Ela sabe montar abrigo, lidar com o frio extremo, manusear armas e improvisar diante do perigo. Quando, perdida na neve, pede informações em uma cabana isolada e descobre indícios de um crime, sua reação não é a de pânico absoluto, mas de observação atenta. Ao perceber que uma adolescente está mantida em cativeiro por um casal bem perturbador, Barb assume uma postura ativa que conduz a narrativa para um embate físico e psicológico no gelo. 

Há algo deliciosamente anacrônico no modo como o filme constrói essa heroína. Em vez de apostar em juventude ou força bruta, “O Frio da Morte” valoriza a experiência acumulada e a resiliência. Barb não é uma super heroína caricatural, mas uma mulher que viveu, amou e sofreu, e que carrega no corpo e na memória as ferramentas necessárias para reagir. Quando leva um tiro no braço e precisa costurar o próprio ferimento em uma cabana abandonada com itens de sua caixa de pesca, o filme atinge um de seus momentos mais tensos e fascinantes. A dor é concreta, a cena é crua, mas também reafirma a autonomia da personagem. 

O embate com os antagonistas interpretados por Marc Menchaca e Judy Greer adiciona camadas interessantes, ainda que nem todas sejam plenamente exploradas. Menchaca encarna um homem ambíguo, dividido entre devoção conjugal e uma cumplicidade criminosa, enquanto Greer surge como a mente por trás do plano, uma figura desequilibrada cuja motivação é apenas parcialmente desenvolvida. Existe ali material para uma análise mais profunda sobre dependência, desespero e distorção moral, mas o roteiro prefere avançar rumo à ação, sacrificando algumas possibilidades temáticas no caminho. 

A direção de Brian Kirk valoriza o silêncio e o isolamento. A vastidão branca da paisagem, captada com elegância por Christopher Ross, reforça a sensação de vulnerabilidade. Cada som se destaca com nitidez inquietante, o ranger das botas na neve, o estalar de galhos na floresta, a respiração ofegante em meio ao frio cortante. A trilha de Volker Bertelmann contribui para essa atmosfera com sintetizadores discretos que evoluem para cordas tensas, intensificando o suspense sem recorrer a excessos. 

Nem tudo funciona com a mesma precisão. O uso recorrente de flashbacks para contextualizar o relacionamento de Barb com o marido, embora emocionalmente compreensível, interrompe o ritmo e enfraquece a tensão crescente da trama principal. Muitas dessas memórias poderiam ser sugeridas apenas pela expressão de Thompson, cuja atuação silenciosa é suficientemente eloquente para transmitir saudade, ternura e luto. Além disso, o roteiro apresenta algumas conveniências narrativas e decisões questionáveis que fragilizam a lógica interna da história, criando pequenos ruídos em um conjunto que busca ser coeso. 

Ainda assim, o saldo é amplamente positivo. O frio da morte se sustenta na figura de uma protagonista raramente vista nesse tipo de narrativa. Thompson equilibra doçura e firmeza com naturalidade, criando uma personagem que inspira empatia sem jamais parecer ingênua. Há um humor pontual, há sentimentalismo, há violência, mas tudo gira em torno dessa mulher que transforma sua vida comum em uma força extraordinária diante do perigo. O clímax explosivo no lago congelado entrega a fisicalidade prometida e oferece um desfecho que, mesmo imperfeito, é genuinamente impactante.

Crítica | O Morro Dos Ventos Uivantes

A nova adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes, dirigida por Emerald Fennell, deixa claro desde o início que não pretende ser apenas uma versão fiel do romance, mas uma releitura com identidade própria. É um filme que aposta na força da imagem, no impacto emocional e na intensidade das relações, ainda que isso custe parte da complexidade literária da obra original.

A história acompanha Catherine Earnshaw e Heathcliff, um órfão acolhido pela família Earnshaw na isolada propriedade nos pântanos de Yorkshire. Unidos por um vínculo profundo e quase selvagem, os dois crescem compartilhando uma conexão intensa, marcada por desejo, orgulho e dependência emocional. Quando Catherine decide se casar com Edgar Linton, buscando status e estabilidade, Heathcliff se sente traído e inicia uma jornada movida por ressentimento e vingança. O amor que antes parecia absoluto se transforma em dor, obsessão e destruição.

Visualmente, o filme é impressionante. A fotografia trabalha com tons escuros e frios nos momentos de conflito e sofrimento, reforçando o peso emocional da narrativa. Já nas cenas que envolvem luxo, desejo ou poder, as cores se tornam mais fortes e vibrantes, criando um contraste claro entre o mundo bruto dos pântanos e a sofisticação social que seduz Catherine. Cada enquadramento parece cuidadosamente pensado, e a ambientação contribui para que a natureza funcione quase como uma personagem silenciosa, mas sempre presente.

No centro da trama estão Margot Robbie e Jacob Elordi. Margot Robbie entrega uma Catherine intensa e cheia de conflitos internos, dividida entre o amor e a ambição. Elordi é o grande destaque: sua transformação de jovem vulnerável para homem endurecido pela rejeição é convincente e bem construída. Ele consegue demonstrar mudanças claras no comportamento e na postura do personagem ao longo do tempo, sem exageros. A química entre os dois é forte e sustenta a ideia de um amor que ultrapassa limites, para o bem e para o mal.

A trilha sonora traz um toque contemporâneo, com músicas de Charli XCX que surpreendem, e funcionam dentro da proposta estilizada do filme. A escolha pode dividir opiniões, mas reforça que esta é uma adaptação pensada para dialogar com o público atual, e não apenas com leitores fãs da obra.

Ainda assim, a sensação final é ambígua. Quem conhece bem o livro pode sentir que faltou aprofundar algumas camadas da história e dos personagens. Certos conflitos parecem resolvidos com rapidez, e parte da complexidade emocional acaba simplificada. Por outro lado, quem assistir buscando um romance intenso e trágico provavelmente sairá satisfeito.

É um filme esteticamente poderoso, conduzido por boas atuações e por uma direção segura de sua proposta. Deve reacender o interesse pelo clássico de Emily Brontë e certamente vai gerar debate. No fim, é uma adaptação que encanta pelos olhos e pela atmosfera, mas deixa um leve gosto melancólico — como se, em meio a tanta beleza, ainda houvesse algo essencial que poderia ter sido mais explorado.

Crítica | All You Need Is Kill

A nova adaptação animada de All You Need Is Kill chega com uma proposta diferente do que muitos poderiam esperar. Em vez de priorizar a ação frenética e o espetáculo visual, o filme aposta em um tom mais intimista e reflexivo, transformando a conhecida história do loop temporal em algo mais pessoal e contemplativo.

Na trama, acompanhamos Rita, uma voluntaria que ajuda a reconstrução do japão após o aparecimento do Darol, uma misteriosa entidade vinda do espaço que passou a ameaçar a humanidade. Em meio a esse cenário caótico, ela se vê presa em um estranho ciclo no qual revive o mesmo dia repetidas vezes, sempre enfrentando as consequências dessa força desconhecida. A partir dessa premissa simples, o filme constrói uma jornada de aprendizado, tentativa e erro, e busca por uma saída para esse ciclo infinito.

Logo de início, a obra chama atenção pela estética. A animação é muito bonita, com um estilo próprio, quase artesanal em alguns momentos, que transmite uma sensação de proximidade com a protagonista. Não é um visual grandioso no sentido tradicional, mas sim delicado e expressivo, combinando perfeitamente com o clima mais introspectivo da narrativa.

A trilha sonora acompanha bem essa proposta. Sem exageros, ela ajuda a construir a atmosfera melancólica e repetitiva do cotidiano de Rita, reforçando a ideia central do filme: a sensação de estar preso em um ciclo sem fim. E é justamente aí que mora uma das reflexões mais interessantes da obra. Mesmo falando de monstros e ficção científica, a história faz um paralelo claro com o nosso próprio dia a dia. Será que, de certa forma, também não vivemos sempre o mesmo dia?

O roteiro opta por um ritmo mais ágil na descoberta do que está acontecendo, o que mantém o filme dinâmico, mas também deixa a impressão de que o conceito do loop poderia ter sido explorado com um pouco mais de profundidade. Ainda assim, a narrativa funciona bem ao mostrar o amadurecimento da personagem e a forma como ela aprende, evolui e tenta encontrar um sentido em meio à repetição constante.

A dinâmica entre os personagens é outro ponto positivo. O encontro de Rita com Keiji traz leveza e até um toque de humor para a história, equilibrando o clima tenso com momentos mais humanos. Essa relação dá coração ao filme e impede que ele se torne apenas mais uma ficção científica sobre viagens no tempo.

Mesmo com algumas soluções apressadas e certas ideias que mereciam mais desenvolvimento, a animação cumpre o que promete. É envolvente, emocional e visualmente marcante. Não tenta ser um grande épico, e sim uma história sobre persistência, escolhas e sobre o peso e o valor do amanhã.

Para quem conhece a obra original ou o filme No Limite do Amanhã, essa versão animada oferece uma experiência mais sensível e menos explosiva, focada muito mais nos sentimentos do que nas batalhas.

No fim, “All You Need Is Kill” funciona como um lembrete simples e eficaz: mesmo quando tudo parece se repetir, sempre existe a chance de fazer diferente no próximo dia.

CRÍTICA | O SOM DA MORTE

O som da morte se insere com conforto no território do terror, ao resgatar uma premissa clássica e revesti-la de uma mitologia simples, eficiente e visualmente marcante. A narrativa acompanha Chrys, uma adolescente recém chegada a uma pequena cidade após um passado nebuloso, que encontra em seu novo colégio um objeto ancestral capaz de acelerar o destino de quem ousa ouvi-lo. A partir desse ponto, o filme estabelece regras claras e implacáveis, apostando menos em reviravoltas morais e mais na inexorabilidade da morte como força narrativa central, o que confere ao longa uma identidade direta e funcional dentro do gênero.

Dirigido por Corin Hardy, o filme assume sem pudor suas influências, dialogando abertamente com o terror adolescente dos anos 1990 e 2000 e com obras centradas em objetos amaldiçoados. Ainda assim, encontra certo frescor ao combinar essa tradição com uma lógica próxima à de Premonição, em que o destino não é evitado, apenas antecipado. Essa escolha torna a experiência mais cruel e menos esperançosa, já que não há justiça ou redenção possível, apenas a constatação de que ouvir o apito é selar o próprio fim. A mitologia do objeto é construída com clareza e nunca se contradiz, o que ajuda a sustentar a tensão ao longo do filme. 

O elenco jovem cumpre bem seu papel, especialmente Dafne Keen e Sophie Nélisse, que estabelecem uma relação afetiva convincente e emocionalmente necessária em meio à carnificina. O romance queer entre as duas personagens surge de forma delicada, ainda que flerte com clichês, funcionando como um ponto de ancoragem emocional para o espectador. Keen entrega uma protagonista marcada pelo trauma e pela sensação constante de deslocamento, enquanto Nélisse oferece uma contraposição mais segura e pragmática, criando uma dinâmica que humaniza a narrativa. O restante do grupo assume arquétipos conhecidos do terror colegial, servindo mais como combustível para as mortes do que como personagens plenamente desenvolvidos. 

Visualmente, o filme se destaca pela iconografia do apito, tratado quase como um personagem próprio. Seu design sinistro e seus entalhes reforçam o caráter ritualístico da maldição, tornando o objeto memorável e facilmente associado ao imaginário do terror contemporâneo. As sequências de morte são outro ponto forte, com uso expressivo de efeitos práticos que remetem ao horror corporal clássico. Cada morte carrega uma identidade própria e cresce em brutalidade, contribuindo para uma experiência gráfica que certamente agradará aos fãs mais ávidos do gênero.

A ambientação no período de Halloween adiciona uma camada extra de atmosfera, com cenários repletos de símbolos sazonais que reforçam o clima outonal e nostálgico. Essa escolha estética aproxima o filme de uma sensação atemporal, como se estivesse preso a uma era específica do terror, o que dialoga bem com suas referências assumidas. Em contrapartida, a trilha sonora eletrônica em alguns momentos soa deslocada e enfraquece cenas que poderiam ser mais impactantes, quebrando parcialmente a imersão construída pela direção. 

Narrativamente, “O Som da Morte” não se propõe a reinventar o gênero nem a aprofundar excessivamente seus personagens. Seu foco está na ideia central e na execução das mortes, o que torna a experiência previsível em certos momentos, mas ainda assim eficaz. A ausência de um comentário metalinguístico mais elaborado pode frustrar quem busca algo além da fórmula, porém o filme compensa com ritmo, criatividade visual e um conceito sólido o suficiente para sustentar o interesse.

Por fim, o longa se mostra consciente de suas limitações e confortável dentro delas. A cena pós créditos amplia o escopo da história e deixa clara a intenção de expansão do universo apresentado, sugerindo uma possível franquia. “O Som da Morte” é um terror competente, que oferece exatamente o que promete: sustos, mortes inventivas e uma mitologia simples, porém funcional. Pode não ser memorável em termos dramáticos, mas cumpre com eficiência seu papel como entretenimento sombrio e divertido, especialmente para quem aprecia o terror clássico com uma roupagem contemporânea.

Crítica | Destruição Final 2

 

Destruição Final 2 surge como uma continuação cuja própria existência já levanta dúvidas. O primeiro filme, lançado em meio à pandemia, surpreendeu por conseguir extrair algum peso emocional de uma premissa bastante conhecida no cinema, o desastre. Mesmo com exageros narrativos e um desfecho dominado por efeitos especiais, havia ali um esforço claro em retratar pessoas comuns reagindo ao colapso do mundo, e Gerard Butler, contra todas as expectativas, funcionava como um protagonista minimamente empático. A história se encerrava de forma suficientemente conclusiva, o que tornava uma sequência algo desnecessário desde o início

Ainda assim, impulsionado pelo relativo sucesso junto ao público, o segundo filme opta por ampliar o escopo da narrativa, deslocando a ação do confinamento nos bunkers da Groenlândia para uma jornada errante por uma Europa devastada. Cinco anos após o impacto do cometa, John Garrity, sua esposa Allison e o filho adolescente Nathan continuam sobrevivendo em condições precárias, até que a destruição definitiva do complexo subterrâneo os força a partir em busca de um suposto refúgio localizado em uma cratera no sul da França. A ideia de migração global em um planeta à beira do colapso até carrega potencial simbólico, mas o filme raramente explora esse conceito de forma consistente ou profunda.

A partir do momento em que os personagens deixam a Groenlândia, o longa assume a forma de um road movie pós apocalíptico excessivamente familiar. O roteiro recicla situações e imagens já vistas à exaustão em obras como “Filhos da Esperança”, “A Estrada” e produções televisivas sobre mundos devastados. Soldados hostis, saqueadores genéricos, travessias perigosas e encontros ocasionais com pessoas bondosas surgem de maneira mecânica, sem tempo ou interesse em desenvolver relações humanas minimamente complexas. Personagens secundários são introduzidos apenas para cumprir funções dramáticas imediatas e logo descartados, o que torna qualquer tentativa de impacto emocional previsível e pouco eficaz.

Ao contrário do filme original, no qual os conflitos familiares davam algum dinamismo à narrativa, aqui a família Garrity se reduz a um bloco homogêneo de sobreviventes resilientes, quase sempre reagindo de forma automática aos perigos ao redor. Há tentativas pontuais de inserir dramas internos, especialmente envolvendo o amadurecimento de Nathan, mas essas ideias nunca são levadas adiante com convicção. O resultado é um filme que se leva excessivamente a sério, apostando em um sentimentalismo insistente que não encontra respaldo na construção dos personagens. 

Tecnicamente, o longa alterna entre momentos competentes e outros claramente limitados pelo orçamento. Algumas paisagens abertas conseguem sugerir a escala da devastação global, mas muitas cenas de ação se resolvem em espaços apertados, tiroteios genéricos e estruturas improvisadas pouco convincentes. Sequências que deveriam ser tensas acabam soando artificiais, como a travessia de pontes precárias ou o cruzamento do “Canal da Mancha” seco, ideias visualmente interessantes que carecem de impacto dramático real. A sensação constante é a de um filme que tenta parecer maior e mais ambicioso do que realmente é. 

Gerard Butler continua sendo o principal ponto de ancoragem da produção. Seu carisma desgastado de herói de meia idade ainda garante certa credibilidade ao personagem, embora aqui ele seja empurrado para um registro mais melodramático do que o necessário. Morena Baccarin cumpre sua função de apoio, mas o roteiro pouco faz para aprofundar sua personagem, que permanece à margem das decisões mais relevantes. A química entre os protagonistas, que ajudava o primeiro filme a funcionar, aqui se dilui em meio a uma narrativa excessivamente funcional.

Destruição Final 2 evidencia justamente o que torna tantas sequências problemáticas. Ao tentar expandir uma história que já havia encontrado seu ponto final, o filme perde o pouco de singularidade que seu antecessor possuía e se transforma em mais um exemplar genérico do cinema pós apocalíptico. Há momentos de tensão e alguma energia dispersa ao longo da jornada, o que garante um nível básico de entretenimento, mas nada que justifique plenamente o retorno a esse universo. Trata-se de um filme assistível, porém dispensável, que reforça mais a força ocasional do primeiro longa do que a necessidade real de sua continuação.

Crítica | (Des)controle

(Des)controle se apresenta como uma das obras mais sensíveis e relevantes do cinema brasileiro recente ao abordar o alcoolismo a partir de uma perspectiva íntima, cotidiana e profundamente humana. Inspirado em histórias reais, o filme dirigido por Rosane Svartman e Carol Minêm constrói uma narrativa que transita com naturalidade entre o drama e a comédia, flertando por vezes com o absurdo sem jamais perder o vínculo com a realidade. Em um momento especialmente fértil do cinema nacional, a obra ainda corre o risco de ser subestimada por um preconceito persistente contra produções brasileiras, apesar de reunir qualidades que a colocam lado a lado com alguns dos títulos mais celebrados dos últimos anos.

A trama acompanha Kátia Klein, interpretada por Carolina Dieckmann, uma escritora de livros infantis que mantém a sobriedade há quinze anos, mas se vê pressionada por uma soma sufocante de responsabilidades profissionais, familiares e emocionais. Mãe de dois filhos, responsável por praticamente toda a gestão da casa e da própria carreira, Kátia enfrenta um bloqueio criativo que funciona como gatilho para uma recaída. O roteiro transforma essa queda em um percurso emocional complexo, no qual o alívio inicial proporcionado pelo álcool rapidamente se converte em perda de controle, culpa e autossabotagem.

Um dos aspectos mais interessantes do filme é a materialização simbólica do conflito interno da protagonista. Carolina Dieckmann interpreta duas facetas da mesma mulher, Kat e Vânia, representando luz e sombra, controle e impulso, sobriedade e compulsão. Essa escolha narrativa dialoga com sérias questões sociais, evocando reflexões sobre identidade, repressão e desejo. A presença de Vânia não apenas intensifica a tensão psicológica, como também torna visível aquilo que muitas vezes permanece invisível em narrativas sobre dependência, o embate constante entre quem a pessoa é e quem ela tenta ser.

Desde os primeiros minutos, a linguagem audiovisual contribui para mergulhar o espectador no estado emocional da protagonista. A montagem inicial é caótica e acelerada, traduzindo a ansiedade de uma mulher à beira do colapso. Quando o álcool retorna à sua vida, o filme altera sutilmente sua atmosfera, como se o mundo ao redor também se transformasse. Essa mudança gradual, quase sedutora, torna a queda ainda mais dolorosa de acompanhar. O espectador passa a observar, impotente, o avanço da autodestruição, como quem assiste a um desastre anunciado sem poder intervir. 

O filme se recusa a oferecer soluções fáceis ou discursos moralizantes. Ao tratar do alcoolismo como uma luta diária, contínua e cheia de recaídas possíveis, (Des)controle assume um tom honesto e responsável. Não há glamour na dependência, tampouco redenções mágicas. O que existe é um processo doloroso, sustentado por diálogos diretos, relações imperfeitas e a necessidade constante de apoio e empatia. Mesmo o desfecho, embora carregado de esperança, evita o sentimentalismo excessivo e preserva a complexidade da experiência vivida pela personagem. 

No campo estético, a produção aposta em uma fotografia limpa e cores saturadas que beiram o artificial, mas nunca rompem com a verossimilhança. A direção de arte e o figurino reforçam a dualidade central da narrativa, especialmente no contraste cromático associado às diferentes faces de Kátia e na construção visual de Vânia como uma figura sedutora e perigosa. Essa estilização controlada contribui para o tom quase alegórico do filme, sem comprometer sua força realista.

As atuações são outro ponto alto. Carolina Dieckmann entrega uma das performances mais marcantes de sua carreira, equilibrando vulnerabilidade, exaustão, ironia e desespero. Sua interpretação evita caricaturas e transmite com verdade a experiência de uma mulher sobrecarregada que encontra no álcool uma falsa promessa de alívio. O elenco de apoio, com destaque para Júlia Rabello, Caco Ciocler e Irene Ravache, contribui para a densidade emocional da narrativa, construindo relações críveis e fundamentais para o desenvolvimento da protagonista.

Embora o filme apresente pequenas irregularidades de ritmo e momentos em que a narrativa se aproxima de caminhos mais convencionais, esses aspectos não diminuem seu impacto geral. Pelo contrário, reforçam seu compromisso em dialogar com um público amplo sem subestimar sua inteligência. (Des)controle é um filme que entretém, provoca reflexão e convida à empatia, tratando um tema delicado com coragem, sensibilidade e respeito.